编者按： 2026年10月15日至11月30日，“共识共生—2026首届中国当代艺术季·常州站”在常州柒号美术馆举办。作为艺术季八城联动的一站，常州站由总策展人万军统筹，策展人杜曦云，出品人杨建锋，汇聚董文胜、洪磊、缪晓春、裴丽、尚一心、史金淞、童昆鸟、颜磊、杨淞、原弓、臧坤坤、周啸虎等十二位艺术家，以“质感”为题，展开一场关于材料、感知与精神密度的对话。
在一个图像过剩、文本膨胀、艺术语言不断趋于同质化的时代，“质感”所指向的，是作品在被解释之后仍然留在观看经验中的东西。雅昌艺术网对话策展人杜曦云与柒号美术馆馆长杨建锋，试图还原这一命题的策展逻辑与空间实践。“共识共生—2026首届中国当代艺术季·常州站”海报
“质感”作为切入点形成差异之上的共识“共识共生”总主题强调“以差异凝聚共识”。在杜曦云看来，共识不意味着消除差异。“如果为了达成共识而抹平差异，最终得到的只能是平庸的相似。真正有意义的共识，是不同个体在保持自身独立性的前提下，仍然能够建立联系。
”常州站选择“质感”，正是从作品本身切入，讨论不同艺术家的实践如何成立。杜曦云将“质感”分为三个层次：首先是材料、肌理、色彩、形态等具体的视觉经验;进一步是作品内部的密度，体现着艺术家如何处理经验、选择语言，以及如何在形式的生成与取舍中确立判断;
最终，它关乎艺术家的精神内核——对自由与真诚的坚持、对真相与真理的追寻、对现实经验的敏感，以及对形式是否真正成立的持续警觉。“今天，图像可以被迅速制造，观念可以被包装和传播，视觉效果也越来越容易复制。在这样的环境中，一件作品是否具有真正的质感，反而成为值得追问的问题。
”杜曦云说，“它是否凝聚了艺术家真实的经验?它的形式是否具有内在的必要性?离开文字说明之后，它能否依然成立?”十二位艺术家，从董文胜的文字与图像之间的暧昧，到洪磊对激浪派的重访，从缪晓春的数字 twin 对古典构图的剥离，到史金淞用拆迁废墟堆叠出的精神残骸，各自的脉络不可谓不清晰。
但把他们拢到“质感”这面旗子下面，究竟是因为他们的实践之间存在着非如此不可的学术关联，还是因为一个八城联动的项目需要一站足够体面的阵容?这个问题，杜曦云在对谈中给出了一个诚实的边界：他说策展不能止步于艺术家遴选，还要建立作品之间的关系，“可以是呼应，也可以是对照，甚至可以是相互抵触”。
这个说法是清醒的。但清醒的表述与实际的学术效力之间，隔着一整个展览的落地。让作品在关系中显现，拒绝拼盘常州站汇聚了十二位跨媒介艺术家，涵盖绘画、摄影、装置、影像等多种形态。杜曦云强调，媒介的丰富不等于学术上的丰富。“把不同门类放在一起，并不会自动产生有意义的关联。
”遴选艺术家的核心标准，在于是否形成了相对独立的艺术语言，以及这种语言是否具有内在的辨识度和持续发展的可能。“重要的不是他使用什么材料、属于什么类别，而是他如何处理自己的经验，如何面对艺术语言的问题，以及作品是否具有不可轻易替代的特点。
”避免“拼盘展”的关键，在于不能止步于艺术家遴选，还要建立作品之间的关系。“这种关系可以是呼应，也可以是对照，甚至可以是相互抵触。作品不必共同证明一个简单的结论，但需要在同一个问题意识下获得相互观看的可能。”杜曦云将这种关系理解为一种真正的共生：“不是把不同事物混合成一种东西，而是让它们在保持自身特征的同时，进入一个彼此关联的结构。
”在图像过剩、文本膨胀的语境下，展览强调“让作品首先作为作品存在”。杜曦云的视点指向是今天很多作品还没有被真正观看，就已经被各种标签、概念和背景信息包围了。“观众似乎知道它意味着什么，却未必真正看见了它。”因此，他在文本写作中倾向于减少不必要的解释，不急于为作品指定唯一的意义，也不把艺术家的实践强行纳入某个宏大的理论框架。
“对于作品能够直接呈现的东西，文字不必重复;对于尚未确定的问题，也不必急于给出结论。”布展同样如此——为观看创造条件，而不是通过过度设计把观众引向预设的情绪和结论。“克制解释不是拒绝思想，而是让思想通过作品获得具体的形态。
”杜曦云说。在统一与差异之间“一核统领、多域生发”作为八城联动中的一站，常州站既要承接“共识共生”的整体学术脉络，又要保持“质感”命题的独立性。杜曦云将“一核统领、多域生发”理解为：在保持整体方向的同时，允许不同的学术问题充分展开。
“一个系列艺术项目如果只有统一，没有差异，就容易变成形式上的复制;如果只有差异，没有共同的方向，又容易失去整体性。关键是如何让两者形成有效的张力。”对于终审机制，杜曦云认为其意义不应仅仅被理解为筛选作品，更重要的是在尊重分站策展自主性的同时，审视分站的学术命题是否清晰，作品遴选是否与整体方向形成有效联系。
“策展需要判断，但判断也需要接受讨论。不同层面的交流与审视，有助于发现策展思路中的盲点。”但他也提醒，统一机制不能代替策展人的专业判断。“如果终审只是要求各站趋同，就会削弱项目原本希望保留的差异。真正有效的整体性，不是让每个部分变得相似，而是让不同部分之间的关系变得清晰。
”艺术像呼吸一样自然的公园生态展馆柒号美术馆位于新北中心公园，是一个被绿意环抱的下沉式广场。馆长杨建锋将这种空间特质概括为“公园生态展馆”，它从一开始就决定了不能做一个封闭的“白盒子”。在展陈设计上，美术馆顺应下沉空间的结构，让动线更自然。
观众看展时，视线透过落地窗，与公园的光影、树木产生视觉互动，作品与自然形成一种呼吸感。史金淞的《千创园》带着建筑废墟与融入历史精神痕迹的经验进入这个空间，观众看完之后可以移步去喝一杯拿铁，晚上再听一场“听见质感”的跨界音乐演出。
这个动线是流畅的，体验是完整的，但流畅和完整本身，恰恰可能是“质感”最隐蔽的思考。真正的质感往往制造梗阻，制造不适，制造一种让你无法顺畅地进入下一个消费环节的滞留感。如果一场展览让一切都显得恰到好处，那“质感”就已经被翻译成了另一种东西——一种可以被安全地观赏、舒适地谈论、体面地传播的审美教养。
关于业态共生，杨建锋有自己的理解：“‘共生’不是物理上的拼凑，而是情绪价值的流转与化学反应。看展是视觉的凝视，喝咖啡是味觉和社交的放松，听LIVEHOUSE是听觉与感官的释放。白天，公园的静谧配合展览与咖啡区，是‘静’的治愈;
入夜，音乐房子亮起灯光，是‘动’的热烈。”空间彼此独立，体验无缝衔接。“艺术不再是高高在上的朝圣，而是像呼吸一样自然的日常。这就是我们说的‘离艺术很近，离生活不远’。”民营美术馆的全国视野与在地转化作为民营美术馆，承接“共识共生”八城联动的一站，杨建锋将最大的价值概括为“全国视野的破圈”与“学术平台的跨越”。
柒号美术馆依托常州市新北区美术家协会，在在地艺术资源和本土学术脉络上有扎实基础，但以往视野更多聚焦本地。“这次能作为八城联动的一站，与国内顶尖的公立和民营机构同频共振，相当于为我们打开了一扇通向全国学术核心圈的大门。”最大的挑战则是“跨城统筹”与“在地转化”的双重压力。
跨城联动意味着极高的沟通成本、物流成本和资金投入，对民营机构的运营能力是极大考验。另一方面，如何把具有高度学术性的当代艺术转化为本地观众愿意看、看得懂的内容，需要策展人的学术把控，也需要运营团队做大量的在地翻译与公共美育工作。
与过去的独立策展相比，杨建锋认为这次联动留下了宝贵的“可沉淀经验”：“我们跑通了一整套多城跨机构协同、布展与宣发的标准化流程。更重要的是，我们将在地的美协资源与全国性的策展人、艺术家及机构网络进行了有效对接。这相当于为柒号建立了一个‘在地根基+全国网络’的双轨资源库。
”留下一双被重新校准眼睛的公共教育展期内，柒号美术馆将把展览与书院、LIVEHOUSE联动。观众看完《质感》展，可以移步书院参加关于“东方美学与当代物质”的读书沙龙，或在晚上于LIVEHOUSE听一场“听见质感”的跨界实验音乐演出。
“我们希望把看展，变成一种生活方式的完整闭环。”杨建锋说。杜曦云则强调，公共教育不应只是重复展览的主题，而应该帮助观众建立观看作品的方法。“导览可以从作品的材料、形态、结构和空间关系入手，再讨论艺术家的形式选择如何与其经验和判断发生联系。
美育不是让观众记住多少艺术术语，而是帮助他们逐渐形成独立观看和判断的能力。”至于常州站最终留下什么，杜曦云认为展览本身与协作经验并不矛盾。“作品必须经得起观看，不能用组织规模或活动数量代替艺术质量;另一方面，如果一次展览能够促成艺术家、策展人、美术馆和公众之间更有效的联系，那么这些联系也可以成为未来工作的起点。
”杨建锋则将愿景说得更为感性：“对观众而言，我们希望留下的不仅是几幅画、几件装置，而是一双被重新校准过的眼睛。希望他们走出美术馆时，能留意到路边树叶的肌理、金属栏杆的锈迹，发现生活里处处都有‘质感’。对行业而言，我们希望留下这套‘一核统领、多域生发’的协作经验——它证明了一个有活力的民营艺术中心，不仅能做商业，也能扎实地承接高水平学术展览，并把它转化为服务城市公共文化的力量。
”常州站是“共识共生”艺术季八城联动中的一站，却以其对“质感”的执着追问，呈现出一种别样的学术气质。在一个越来越容易复制图像、语言和姿态的时代，重新谈论质感，不是回到单纯的形式主义，也不是否定艺术的社会性和思想性，而是再次自省：无论艺术面对怎样的现实问题，最终仍必须通过具体的形式发生，也必须经受观看的检验。
所谓“质感”，是一件作品在被解释之后，仍然留在观看经验中的东西。而一场展览真正留下的，或许正是那双被重新校准过的眼睛。董文胜 Dong Wensheng1970年出生于江苏，毕业于江苏理工学院工美系。江苏理工学院艺术学院兼职教授、常州画派研究所研究员。
目前生活工作于江苏常州。Whatelse 彩色图片 油彩 110×146cm 2014年数十年创作历程里，我对文字的兴趣从未中断。早期接触摄影时，我聚焦肌肤之上的刺青文字;继而尝试在照片、暗房空间书写，后来更在真实水面落笔。
书写内容包含喜爱的著作、诗句，也有即兴文字。我刻意保留语义的暧昧，文字看似指向明确，内涵却是开放的，最终解读交由观者自身的社会与美学经验。我的创作长期游走于绘画与摄影两种媒介之间，本次展览也体现这一特质，展出观念摄影、摄影结合绘画，以及两件纯粹的纸本水墨书写作品。
1960 出生于江苏省常州市，1987 毕业于南京艺术学院，1993 于中央美术学院学习版画，现生活工作于常州。状语 综合材料 2026年初做摄影时，我先看到了科奈儿的画册，那是借韩磊的，至今都没有还他。1996年，对艺术创作已经绝望，之前沉迷的表现主义方式的绘画，让我窒息。
学着科奈尔做几件即兴的小装置，再用照片记录下来。就此误入摄影界。这些年来，已经很久不拍照片了，尤其手机的拍摄功能放大以后，更无心拍了。之后以怎样的方式表达呢?疫情期间，焦躁无奈之下，忆起激浪艺术那些人曾经的好看的东西，不由燃起想要表达的冲动;
又得知科奈儿的一些作品，也在激浪之列，做起来顺手很多。问题在于，85新潮以来，本土艺术家无一人不学西方现代艺术者，但深究者人却稀少。我，已然过了创造力旺盛的年纪，倒不如做个深究某一类型的人。缪晓春 Miu Xiaochun
1964年生于中国无锡，生活和工作于北京和柏林,北京中央美术学院教授。星期天的午野 布上丙烯 300×400cm 2013年(四拼一 单件尺寸 150×200cm)本次常州柒号美术馆展出《星期天的野餐》《我也曾在阿卡迪亚》《音乐》《巴塞尔的阳光》《思想者》五件作品，构图分别取自贝利尼、普桑、卡拉瓦乔、高更、丢勒的经典名作。
我对自身头像三维扫描，搭建数字人像模型，在点、线、色彩通道进行数字变形，塑造带有数码质感的个人数字孪生形象，依托数字矢量线条进行绘画。作品剥离原作的神话与宗教叙事，转向个体内心感受的表达。区别于古典油画，这批作品选用丙烯颜料，塑造爽利的笔触边缘，三件小幅作品添加塑形膏丰富肌理。
展厅同步展出五幅水彩纸上的临摹稿，以油画颜料手绘而成，远观近似印刷品，近观方能看见手绘痕迹。1985年生于江苏常州，2008本科毕业于中国美术学院新媒体系，2011年获北京电影学院美术系新媒体艺术硕士学位，2016年获中央美术学院博士学位。
海芋-1 铝板油画 79×90cm 2020年铝板不同于画布 —— 画布有粗纹、细纹、亚麻、棉麻之分，天然带着肌理与性格;铝板却没有预设的标签。它是工业板材，平、硬、冷，仿佛一块等待被重新定义的空白。正因如此，裴丽需要亲手打磨每一块板面，顺着材料本身的痕迹去感受，再决定画面的层次与形状。
对她而言，质感从来不是表面光滑或粗糙那么简单，而是材料、选择、判断、情绪与时间层层沉积而成的密度。每一次下笔，都是与这块金属的对话，是让冰冷的工业材料重新获得温度与生命的过程。尚一心 Shang Yixin1980年出生于浙江温州，2007年于中国美术学院油画系获得其学士及硕士学位，现工作和生活于杭州。
曲271 布面丙烯 180×180сm 2023年在画布上绘制一条平直无起伏的横线，它本是连续的量。我取下画框固定点位的钉子，向外牵拉画布，这条直线便顺着拉力弯折，对施加的力量做出回应。与此同时，我能感知到画布材质本身弹性带来的阻力，这种弯曲所代表的“自由”，始终存在边界。
这个限度富有弹性，会随温度、湿度发生明显变化，我以手部触觉感知这一临界的“度”，它无法简单用大小定义，只能感受当下画布拉伸幅度的相对变化。拉扯带来形变具有不可逆性，弯折后的线条再也无法恢复最初紧绷笔直的样貌，每一次牵拉都会进入全新的弯曲状态。
循环与单向在此缠绕交织，概念与现实，在拉扯之间不断博弈。史金淞 Shi Jinsong1969生于中国湖北当阳，1994年毕业于湖北美术学院雕塑系，1994至今就职于中国湖北省美术院，现工作生活于北京和武汉。千创园21# 青砖 红砖 钢筋混凝士及其他建筑材料 66×39×131cm 2012年
《千创园》源自史金淞工作室屡次搬迁、拆迁的切身经验。持续的动荡让空间不断切割、压缩、重组，生活随之走向碎片化。作品材料取自北皋工作室拆迁遗存的混凝土、砖瓦与废旧构件，这些本已归于废墟的残骸，经堆叠、嵌合、钻孔重组，生成全新的空间语言。
这里的园林并非对自然景致的复刻，而是由断裂经验催生的精神结构。艺术家汲取中国园林与昆曲蕴含的文人修复意识，于残片之中重构精神完整。《千创园》不是复刻传统园林，而是废墟之上生长出的自我修复结构。观众步入的并非完成的景观，而是持续生成的精神现场，探讨在不断破碎的现实里，人能否依托废墟碎片重建自足的精神家园。
童昆鸟 Tong Kunniao1990年出生于湖南长沙，2015年毕业于中央美术学院雕塑系第三工作室，现工作生活于北京。靠边走龙图 绢面重彩 230×560cm 2024年作品以沿四周绢布、中空留白的构图，将骨骼异兽、机械装置与花鸟符号排布在画面边缘;
借传统工笔长卷形式，用边界的繁复喧嚣围困中心虚空，解构东方留白美学，探讨生命遗骸、自然与人造技术缠绕之下，那个不可被图像填满的空洞. 当图像权力从画面中心消散，各类混杂的符号在边缘自主生长，古典美学里稳定、有序的世界图景随之瓦解，呈现生命、技术、死亡与幻想多元并存、无绝对中心的当代状态。
1991年毕业于杭州浙江美术学院(现中国美术学院)，现生活和工作在中国。减肥-她的影子在外边 油画刻字 235×373cm 2020年颜磊直接在绘有风景图像的画布上裁切出镂空的英文文字，将画布悬置墙面。镂空的字母并非印绘于画面表层，而是将画布实体切开，穿透画布，使背后展厅空间透过文字的缺口显露出来。
底层的风景图像与镂空的文字切口彼此交叠、相互遮蔽，图像叙事与文本语义并置共存。传统架上绘画的封闭平面被打破，画布不再仅仅承载画面，它本身的物质性、切口、孔洞都成为作品表达的一部分。这组作品持续对绘画边界进行思辨，消解图像、文字、载体之间固有的层级关系，二维画面与展厅三维空间互相渗透，引导观者重新审视架上绘画的定义，以及图像与文字之间复杂的互文关系。
1987年出生于辽宁，2013年毕业于中央美术学院雕塑系，现生活工作于北京。恒星 不锈钢板 钢丝 200×200×9cm 2023年杨淞以0.1毫米不锈钢钢丝为核心媒介，将无形的引力、波纹与时空轨迹，转化为可被感知的纤细线条。
千万根钢丝经手工张拉交织，依托灯光承载光影，不塑造实体物象，而是编织空灵的艺术场域，凝萃水波面容、天体轨迹等无形意境。钢丝兼具脆弱与坚韧的特质，以精准拉力构建微妙且临时的物质平衡。光影是作品的核心构成，随视角变换流转明暗，让线条聚散无形，具象化世间不可捕捉的隐秘形态。
作品承袭庄子万物流变的哲思，探讨秩序与逸散的辩证关系，印证世间稳固形态皆为瞬时平衡，在规整秩序中，永远留存无限的流动与逸轨可能。1961年生于上海。2012年中国艺术研究院艺术学博士，现⽣活⼯作于英国。不在时间当中– 流变1401号 马口铁 188×163cm 2014年
《不在时间当中—流变 1401 号》是原弓始于2014年《流变》系列的延续。作品选用上世纪六十至八十年代罐头、饼干盒包装所用的白铁皮，以及生产线淘汰的瑕疵铁皮作为材料。艺术家持续打磨铁皮表面，擦除原有品牌、文字、标识与图案，剥离商品信息与时代标签。
区别于绘画叠加内容的加法创作，这件作品以减法消去表层信息，留存的色彩、结构与印刷痕迹形成近似抽象绘画的视觉面貌。画面锈迹并非人为制作，而是材料随时间自然氧化生成，持续演变的锈迹不断改变作品样貌，锈化过程本身亦是作品的组成部分。
作品留存历史物质遗存，又抽离特定历史叙事，悬浮于历史与非历史的间隙之中。臧坤坤 Zang Kunkun1986年生于青岛，现工作、生活于北京。“艺术语言” 木 亚麻布 丙烯 不锈钢 有机玻璃 220×300×6.5cm 2022年
臧坤坤画面素材取自国内城镇路面随处可见、常被人忽略的井盖局部。艺术家对图像进行转换、概括，并抹除原有文字，创作完成后，却始终感觉作品有所缺失，由此进入漫长的等待期。一次用手机拍摄作品时，偶然启用iPhone图片翻译功能，井盖类似文字的防滑纹路被系统误识别为文本并尝试翻译，却无法得出结果。
算法随机框选出的蓝色选区，意外重构了画面构图，为作品增添一层独特的电子图像质感。周啸虎 Zhou Xiaohu1960年生于中国常州，毕业于四川美术学院，现生活工作于上海。上瘾递质-木乃伊棕 No.2 布上油画 丙烯 180×120cm 2017年
点阵绘画系列源自周啸虎在2015年德国DAAD驻留期间对大量印象主义和表现主义作品局部的研究，一些不经意的颜料痕迹被放大数十倍，成为该系列创作的基础。借助于计算机位图技术，艺术家推进了修拉点彩中“色彩分离”的成果，以颜料和色彩作为表现主体，以颜料媒介和绘画行动作为表现对象的“纯粹的色彩与颜料构型”，试图研究绘画的炼金术潜力。
通过对颜料痕迹的放大、重置和点阵方式，将绘画中的神秘性与不确定性转化为“必然表达”。它实质上是一种关于颜料为主题的绘画或“反绘画”实验，这种方法揭示了颜料和色彩在视觉上的复杂性，亦体现了阿尔瓦•诺尔所描述的“神经美学”，即色彩如何在大脑中激活多巴胺的分泌，引发深层的感官和情感反应。
原文日期：2026-10-30